- Industry: Art history
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Comme un terme en art histoire et critique se réfère à la reprenant plus ou moins directe dans un work of art d'un objet réel ou même une œuvre d'art existant. La pratique peut être suivie vers les collages cubistes et constructions de Picasso et Georges Braque fabriqués à partir de 1912, dans lequel des objets réels tels que les journaux ont été inclus afin de se représenter. Crédit a été développé beaucoup plus loin dans le ready-made, créée par l'artiste Français Marcel Duchamp de 1915. Plus célèbre d'entre eux fut fontaine, urinal masculin signé, intitulé et présenté sur un piédestal. Ultérieure, surréalisme a également énormément l'utilisation des crédits de collages et d'objets tels que le téléphone de homard de Salvador Dalí. Dans les années 1950 votés des images et des objets apparaissent largement dans les travaux de Jasper Johns et Robert Rauschenberg, dans Pop art. Cependant, le terme semble être entré en usage spécifiquement en ce qui concerne certains artistes américains dans les années 1980, notamment de Sherrie Levine et les artistes de la Neo-Geo groupe particulièrement de Jeff Koons. Sherrie Levine figure en tant que son propre travail d'autres œuvres, dont des tableaux de Claude Monet et Kasimir Malevich. Son objectif était de créer une nouvelle situation et par conséquent un sens nouveau ou un ensemble de significations, pour une image familière. Appropriation art soulève des questions d'originalité, authenticité et qualité d'auteur et appartient à la tradition longtemps moderniste de l'art qui met en doute la nature ou de la définition même de l'art. Crédit artistes ont été influencés par l'essai de 1934 par le philosophe allemand Walter Benjamin, le œuvre d'Art à l'âge de la Reproduction mécanique et reçu l'appui contemporaine de la critique américaine Rosalind Krauss dans son livre de 1985 l'originalité de l'Avant-Garde et autres mythes modernistes. Crédit a été largement utilisé par les artistes depuis les années 1980.
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Se réfère à l'art qui défie les définitions reconnues existantes de l'art. Il est généralement convenu d'ont été inventé par Marcel Duchamp autour de 1913 quand il a fait son premier ready-made, qui est toujours considérées par certains comme l'anti-art (par exemple par le groupe Stuckist). En 1917, Duchamp a soutenu un urinoir, intitulé la fontaine, pour une exposition à New York, qui devint par la suite notoire et finalement très influent. L'anti-art est associé par Dada, le mouvement artistique et littéraire, fondé à Zurich en 1916 et, simultanément, à New York, où Duchamp a été une figure centrale. Car Dada il ya eu de nombreux mouvements artistiques qui ont pris position sur l'anti-art, du mouvement lo-fi Mail art pour les YBAs, dont certains ont embrassé les absurdités de l'amour Dada et de Duchamp, d'ironie, de paradoxe et de romans.
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Ce qui signifie que le cannibalisme, comme un art est associé au mouvement d'art brésilien des années 1960 tropicaliste. Artistes Hélio Oiticica, Lygia Clark, Rogério Duarte et Antonio Dias employé anthropophagia dans le sens d'un cannibalisme culturel et musical d'autres sociétés. Embrassant les écrits du poète Oswald de Andrade (1890-1954), qui a rédigé le manifeste Antropófago (manifeste Cannibal) en 1928, ils ont fait valoir que l'histoire de cannibaliser les autres cultures du Brésil était sa plus grande force et avait été chemin de la nation de l'affirmation de l'indépendance au cours de la culture coloniale européenne. Le terme a également fait allusion au cannibalisme comme un rite tribal qui était autrefois pratiqué au Brésil. Les œuvres d'art faites à la suite de ce concept ont volé leurs influences d'Europe et d'Amérique, mais, en fin de compte, sont ancrées dans le monde culturel et politique du Brésil des années 1960 et 1970.
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L'animation est l'affichage rapide des séquences d'images statiques de manière à créer l'illusion du mouvement. L'histoire de la remonte d'animation au début lanternes ombre chinoise et les jouets optiques du XVIIIe siècle, mais il n'est que le début du XXe siècle que les illustrateurs comme Émile Cohl a commencé à dessiner cartoon bandes sur celluloïd. Le plus célèbre animateur était Walt Disney, surtout connu pour ses longs métrages de dessin animé comme Fantasia et le livre de la Jungle et que Salvador Dalí croyait être l'héritier au surréalisme. Animation par ordinateur a débuté dans les années 1960 et est le successeur numérique de l'animation. À l'aide de logiciels comme Adobe Flash, animateurs accumulent les séquences sur un ordinateur pour être utilisés comme des effets spéciaux dans le film, intitulé Computer Generated images (CGI), ou des séquences animées en leur nom propre. Animation par ordinateur a des avantages distincts pour les artistes : c'est pas cher à faire, rapide, et l'artiste est capable de contrôler tous les aspects du processus contrairement aux aléas du tournage du film qui ne s'affichent pas jusqu'à ce que le développé. Des sites comme YouTube et MySpace sont devenues des forums pour l'animation par ordinateur, sans passer par les musées et les galeries traditionnelles comme les espaces pour les entreprises artistiques.
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Titre de Australian journal littéraire moderniste fondé 1940 à l'Université d'Adélaïde par quatre poètes: DB Kerr, MH Harris, PG Pfeiffer, G Dutton. A cette époque, que l'Université d'Adélaïde était un foyer de moderniste d'écriture et le débat sous l'influence du poète dramaturge et enseignant CR Jury, qui ont agi comme patron du magazine. Le nom est devenu que du mouvement littéraire et artistique moderniste, centré autour de Harris, qui a cherché à bousculer l'établissement culturel retranché de l'Australie dans les années 1940. Ils étaient considérés comme « en colère » jeunes gens — les rebelles de leur journée. Les pingouins en colère, a déclaré Harris, a exprimé « un modernisme révolutionnaire bruyant et agressif » et représentait la nouvelle langue et la nouvelle peinture de l'Australie. Ils ont été honnêtes et sans complexe, exigeant d'être entendu et vu. Les artistes inclus Sidney Nolan, Arthur Boyd et Albert Tucker. La victime d'un canular littéraire célèbre lorsque deux adversaires concocté un ensemble de poèmes modernistes par un écrivain, qu'ils ont inventé l'appelait en 1944 en colère pingouins Ern Malley. Harris publiés et une tempête s'ensuivit lorsque le canular a été révélé. Harris a été jugé et condamné pour publication d'obscénités et la cause du modernisme en Australie a été nettement en retrait.
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Pour tenter de classer les expériences révolutionnaires faites par Pablo Picasso, Georges Braque et Juan Gris, quand ils étaient partisans du cubisme, les historiens ont eu tendance à diviser le cubisme en deux étapes. La phase initiale, généralement considérée comme course de 1908 à 1912 est appelée cubisme analytique et la seconde est appelée cubisme synthétique. Appelée cubisme analytique en raison de sa dissection structurée du sujet, point de vue-par-point de vue, ayant pour résultat une image fragmentée de multiples points de vue et le chevauchement des avions. Autres traits distinctifs du cubisme analytique ont été une palette simplifiée des couleurs, le spectateur n'a pas été distrait de la structure de la forme et la densité de l'image au centre de la toile.
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Partir sur la fin des années 1960 le terme environnement Art est devenu appliqué spécifiquement à l'art — souvent mais pas nécessairement sous la forme d'Installation, qui a abordé les questions sociales et politiques relatives à l'environnement naturel et urbain. Un des pionniers de cette a été l'artiste allemand Joseph Beuys et un praticien plus récent notable est Lothar Baumgarten. (Souvent étroitement lié au Land Art.) Environnements : Voir l'Art de l'Installation.
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Art dégénéré est la traduction anglaise de l'expression allemande Entartete Kunst. En 1933, le parti national-socialiste (Nazi) sous son chef Adolph Hitler est arrivé au pouvoir en Allemagne et a commencé à rendre l'art sous son contrôle. Tout art moderne a été étiqueté dégénéré. Expressionnisme s'est particulièrement démarqué. En 1937, musées allemands ont été purgées de l'art moderne par le gouvernement, un total de quelque 15 550 fonctionne étant supprimé. Une sélection de ces a été ensuite monter spectacle à Munich dans une exposition intitulée Entartete Kunst. Cela a été soigneusement mis en scène afin d'encourager le public à se moquer de le œuvre. Dans le même temps, une exposition a eu lieu de travail traditionnellement peint et sculpté, qui prône le parti Nazi et vue d'Hitler sur les vertus de la vie allemande: 'Kinder, Küche, Kirche' — à peu près, famille, maison et l'église. Ironie du sort, cet art officiel Nazi était une image de miroir du réalisme socialiste des communistes haïs. Certains de l'art dégénéré a été vendue aux enchères en Suisse en 1939 et plus a été éliminé par l'intermédiaire des concessionnaires privés. Environ 5 000 articles ont été secrètement brûlées à Berlin plus tard cette année. L'enfant malade par Edvard Munch maintenant dans la Collection de la Tate, a été vendu à l'encan de 1939.
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Terme introduit par Van Doesburg en 1930 « Manifesto of Concrete Art » publié dans le premier et le seul numéro du magazine Art Concret. Il a appelé à un type d'art abstrait qui serait entièrement libre de tout fondement dans la réalité observée et qui n'aura pas d'incidences symboliques. Il a déclaré qu'il n'a rien de plus concrète ou plus réel qu'une ligne, une couleur ou un avion (un secteur plat de couleur). L'artiste suisse Max Bill plus tard est devenu le porte-drapeau de l'art concret, organise la première exposition internationale à Bâle en 1944. Il a déclaré que le but de l'art concret est de créer "dans les choses qui n'existaient pas auparavant une forme visible et tangible — pour représenter les pensées abstraites en forme sensuelle et tangible". Dans la pratique béton art est très proche de constructivisme et il y a un musée de constructif et l'art concret à Zurich, en Suisse.
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Artistes associés à Bristol au début du XIXe siècle inspiré par le paysage local, en particulier de la rivière Avon et Avon Gorge. Principaux chiffres étaient Francis Danby au cours de l'à peu près dix ans, qu'il a passé là avant de partir pour Londres en 1824 et JB Pyne. Tous deux avaient des élèves et disciples notamment de Samuel Colman qui a apporté une contribution très personnelle au genre de biblique et paysage fantastique Danby plus tard est devenu connu pour (en rivalité avec John Martin) et le paysagiste prolifique WJ Müller, connu pour ses scènes orientalistes ainsi que des études d'Avon.
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